Sora 2 Prompt Guide – Come Scrivere Prompt Migliori per la Generazione di Video AI

Inizia con un preciso segnale di scena e un obiettivo chiaro per l'IA. Definisci il conflitto principale in una singola frase, quindi aggiungi vincoli che guidino gli elementi visivi e il ritmo per un risultato video piuttosto che una descrizione testuale. Mantieni tutto in modo pratico: specifica un'ambientazione, dei personaggi e un risultato misurabile che il sistema dovrebbe produrre nel rendering finale.

Specifica l’impostazione come a cucina per ancorare texture e illuminazione. Aggiungi indizi tattili come vapore, tintinnio di piatti e riflessi neon per guidare l'aspetto. Descrivi il linguaggio della telecamera con steady dolly o primi piani stretti, e crea l'atmosfera come emotivamente carica e tesa, adatta per un thriller. Chiama. protagonista e antagonista, e darli personal una posta in gioco che il pubblico possa sentire.

Outline actions e partecipanti chiarisce: chi fa cosa, quando e perché. Usa unfiltered language to capture sharp gestures, decisive lines, and crisp visual beats. Tie visuals to fantasy o realismo fondato specificando se si desiderano effetti surreali o texture realistiche, e annotare come dovrebbe follow un singolo filo piuttosto che saltare tra le idee. Sottolineare getting coinvolgere il pubblico nel momento con indizi sensoriali, dal calore e dagli odori al ritmo del movie vibe and sparse un dialogo che ha peso.

Struttura l'invito attorno a una breve sequenza: il protagonista atti, le antagonista counters, e la tensione sale verso una scelta. Mantenere i vincoli stretti: dimensioni del fotogramma, rapporti di illuminazione e un limite alla narrazione in modo che le immagini raccontino la storia. La telecamera dovrebbe girare dopo azioni chiave per catturare le reazioni e spingere la trama verso la conclusione.

Per illustrare, assembla uno scheletro di prompt compatto e poi espandilo: “Un interno di cucina tesa all'alba, la protagonista affronta antagonista, emotivamente carico, sparse dialogue, personal stakes, actions descritto in unfiltered termini, a thriller pace.” Quindi aggiungere note specifiche per la telecamera: “inizia a girare qui, taglio su una reazione, riprendi di nuovo per le conseguenze”, e iterare con ispirato modifiche per adattarsi al tuo progetto e al tuo pubblico di riferimento.

Sora 2 Prompt Guide: Teste Parlanti nella Generazione di Video AI

Definisci un obiettivo preciso per l'intervistato: spiegare il concetto chiave in meno di 60 secondi usando un linguaggio semplice e segnali misurabili. Definisci il pubblico di riferimento e scegli un punto chiave. Allegalo al tuo prompt Sora 2 in modo che il modello generi una performance focalizzata e decodificabile fin da subito.

storytelling cues e immagini concrete. Per un'atmosfera di briefing mattutino, seleziona un ritmo leggero e costante e un'espressione facciale calda. Usa consigli che aiutano uno spettatore a digerire rapidamente le informazioni.

Usa tagli controllati e gesti. Mantenere la sincronizzazione labiale precisa enfatizzando le labbra solo quando le frasi cadono; slight head nods and eyebrow raises can signal emphasis without chaos. Se la scena richiede impatto, introduci un taglio di un secondo su un elemento grafico prima di tornare all'intervistato.

Per creare un personaggio parlante che sembri reale, combina segreti di tempismo con segnali guidati da macchina: micro-espressioni, ritmo del respiro e linea dello sguardo. Sfruttando incorporating movimento di sfondo e generating un'illuminazione coerente mantiene la testa ancorata. Il design dovrebbe essere designed per tradurre argomenti complessi in un linguaggio accessibile, riformulando realtà astratte in esempi chiari e intrecciando storytelling in ogni momento.

Discutere le realtà della produzione: utilizzare scene leggere e asset minimi per ridurre chaos e mantieni il ritmo di presentazione nitido. A great un volto parlante emerge quando si limita il rumore, si mantiene un ritmo costante e si pianifica per tagli that support the narrative. Use a single camera angle for straightforward prompts; switch to two angles only for emphasis to avoid debole visuals.

In your prompts, foreground parole che il modello dovrebbe dare priorità: storytelling, chiarezza ed esempi concreti. Per ogni scenario di intervista, specifica il pubblico, il dominio e il mattina vibe; poi regola combining elementi visivi e segnali acustici verso un concetto chiave.

Definisci personaggio, voce e cadenza del parlato

Definisci una singola firma vocale concreta per il personaggio e applicala all'intero episodio. Crea un'espressione di una riga che catturi tono, ritmo e visione del mondo, quindi collega le istruzioni a tale firma in modo che l'IA recuperi indizi coerenti in queste stanze e corridoi durante l'episodio.

Costruisci una tavolozza vocale: scegli 5–7 tratti, imposta la lunghezza delle frasi e definisci il ritmo per l'azione rispetto alla riflessione. Queste scelte utilizzano un lessico appropriato all'epoca e un mix di clausole concise con frasi liriche per adattarsi al mondo. Mantieni un ritmo visivamente sorprendente, in modo che i trailer e i dialoghi sullo schermo si sentano coerenti. Pianifica un'evoluzione attraverso archi narrativi di episodi mantenendo un equilibrio tra chiarezza e colore; l'ispirazione da deakins dovrebbe informare l'illuminazione e il tono dietro le parole.

Definisci regole di cadenza: nei momenti d'azione, accelera con proposizioni brevi; nei momenti magici o introspettivi, allunga le frasi e inserisci dettagli sensoriali. Usa indizi come il crepuscolo, porte che si aprono o un incontro tranquillo quando il ritmo deve cambiare. Quando la stanza si fa silenziosa, cambia la cadenza. Quando un personaggio entra nelle stanze o si trova di fronte a una decisione morale, lascia che la cadenza rifletta focus ed energia. Ritmi esagerati possono segnalare la performance durante i momenti culminanti per ottenere l'impatto senza perdere il controllo.

Indizi di consegna: segna il respiro, l'enfasi e il tono con punteggiatura e interruzioni di riga; mantieni una proiezione coerente in tutti gli episodi; allinea la voce con la visione dietro lo scatto; assicurati che sembri reale dietro l'azione e in ogni fotogramma.

Esempio di prompt: “Personaggio: Mira, sola, un'investigatrice pragmatica; Voce: calma, spirito arguto e asciutto; Ritmo: misurato, con enfasi esagerata sugli indizi; Ambientazione: maniero illuminato dal crepuscolo; Indizio visivo: illuminazione in stile deakin, ombre profonde; Umore: magico, emozionante; Obiettivo: recuperare una verità nascosta.”

Definisci l'inquadratura visiva: angolazioni della telecamera, dimensioni dell'inquadratura e composizione

Start with a tight primo piano sul protagonista per ancorare l'emozione, poi rivelare il contesto con stratificato profondità che guida lo sguardo visivamente attraverso la scena. Costruire structure by transitioning from an intimate frame to a broader view, letting light shift from alba to the next beat. In prompts, specify camera angles and shot sizes precisely to create a clear progression for the AI generating frames.

Mappare angoli all'intento: usare il livello degli occhi per la connessione, una low angolo per responsabilizzare, e un high angolo per segnalare la moderazione. Abbina alle dimensioni delle riprese che corrispondono al ritmo: tight per emozione, mezzo di interazione, lungo per il contesto. Includi un flyover scattato per geografia, e riserva proibito angles for moments of secrecy you want to avoid. Lead the eye with a moving sequence that stays visivamente clean and seamlessly, and adjust lens choice to keep depth crisp across layers. Mention surveillance motifs only when the story calls for it, to avoid cliché.

Composition centers on depth and layered structure: place the protagonista on the left third, with leading lines from architecture or streets pointing toward the subject. Use foreground elements to create depth; a stratificato frame with foreground, mid-ground, and background adds texture. Let light sculpt shapes: alba or hour-specific lighting creates warm direction; use shadows to separate subjects and hint at time passing. Use a flyover for epic landscape context, and ensure the frame remains readable when the subject moves within the frame. Maintain consistency by adjusting light at each hour.

Avoid clutter: keep negative space meaningful and horizons aligned. Don’t mix too many actions in one frame to prevent depth confusion. Maintain distinct depth cues so foreground, mid-ground, and background read cleanly. Ensure transitions are seamlessly by matching color temperature and light direction across shots. For sequences spanning an hour, describe gradual lighting changes to preserve continuity.

In prompts, lock visual language: “angle: eye-level” or “low angle”; “size: tight close-up” or “long shot”; “composition: protagonista on the left third, with stratificato foreground and depth.” Add setting cues like social e moderno to place the action in a contemporary world. Include a flyover drone shot for geography, and request alba lighting to establish mood. Command seamlessly flowing transitions and a high-energy pace for action beats. If the scene talks with another character, cue reaction shots to alternate perspectives. Keep prompts concise and concrete to minimize misinterpretation, and anchor the sequence with a single epic visual through-line that stays true to the design and structure.

Control lip sync and dialogue timing

Start by anchoring lip sync to the prompt’s dialogue timing: build a detailed phoneme map and lock visemes to the frame grid. This built framework provides information to synchronize dialogue with protagonists’ actions and lighting, bringing the view into sharper focus. Include onset and offset times for each line, and integrate micro-pauses to avoid abrupt or empty moments that break immersion. Use tips against drift, emphasizing precise timing for each sentence to keep the cadence consistent.

Tips for implementing timing inside prompts: assign each line a target frame count, align the phoneme sequence to the dialogue, and assign a view-specific cue for the character’s mouth, eyes, and gestures. For modern scenes with neo-classical lighting, pair dialogue timing with action beats to produce natural lip movements even during subtle movements like a dance or micro-gestures. Enhancements include a secondary layer that tracks breath, cadence, and punctuation, which helps avoid abrupt shifts.

Integrate dialogue timing with scene actions: coordinate mouth shapes with character gestures, so when a protagonist raises a hand, the syllables peak at the moment of gesture, not earlier. Build the prompt to include a highlight on stressed syllables and emphasizing emotional tone. Use detailed notes about tone and pace to guide the model.

Workflow and testing: view results in a quick pass, then iterate. Use a separate lighting cue to verify lip position; run multiple takes, compare audio and video frames, adjust prompts, and re-run. Provide clear prompts with structured data for each scene, and keep prompts modular to reuse in future scenes. Emphasizing consistency across scenes, especially for ensemble pieces where several protagonists speak, ensures cohesion.

Specify lighting, color palette, and background context

Use a three-point lighting setup with a 5600K key light, a 3200K fill, and a subtle backlight to separate subjects from the background. Lock white balance to 5600K and work in Rec.709 for skin tones. Place the key at 45°, the fill at 30–40% opposite, and the backlight just bright enough to reveal hair and shoulders without hot halos. For multi-camera setups, keep the same key and fill positions across rigs to avoid shifts between angles. Ensure enough diffusion and light stands are ready so you can roll between shots without re-rigging, preserving clean moves across angles.

Define a 3–5 color palette that supports the concept. Example: navy #0A1F44, slate #5A7D9A, sand #D8CAB3, moss #5F8B5A, accent coral #FF6F61. Apply the primary color to key lighting, secondary to backgrounds, neutrals to wardrobe, and the accent sparingly. A swell of warmth can come from amber gels on practicals or warm fill to convey optimism. When combining practical lights with LEDs, run white balance tests to keep generated skin tones honest. Document the palette and use it across lighting, wardrobe, and set dressing to maintain visual coherence.

Background context drives the scene. Describe the setting, time of day, weather, and ambient textures that support the concept. For social content and trailer-style cuts, craft a background that stays legible behind moving subjects. Obtain permissions for locations and gear so you can shoot without delays. In prompts, mention birds in the distance, street silhouettes, or a calm park to give depth. If interviews are involved, place the camera behind the subject to capture honest reactions and prepare a trailer-style sequence that can be followed by trailers and a social cut. Prerequisites like space for light stands, power outlets, and safe cable management should be secured before you roll.

To structure prompts effectively, blend lighting, color, and background context so the concept shines. Describe camera moves and rolling shots (roll) that interact with light. Explore atmospheres where birds drift in the background and a swell of color supports the mood. Use a multi-camera setup and plan a trailer- or behind-the-scenes feel that supports interviews and honest dialogue. Often asked questions around permissions and prerequisites should be answered directly in the prompt, ensuring enough space and safety. The generated footage should feel cohesive, loved by audiences, and aligned with the trailer’s tone while still feeling authentic and human in its social storytelling. This approach supports filmmaking quality throughout the process.

Create prompt variations and evaluation checks for consistency

Begin with a baseline prompt that locks tone, subject, and output style, then generate five variations that keep core intent while shifting dynamic factors like setting, energy, and camera approach. A park setting grounds the visuals, while cinematographic framing and high-quality imagery sustain consistency across the episode and its twists.

Use the checks below to ensure cohesion across prompts, episode pacing, and final renders. Portray a steady approach, and flag any fake cues or blending that breaks continuity.

• Baseline and variation strategy: define the core objective, audience, output length, and required prerequites (as a starting point). Attach a script-like description for the host voice and the visual approach, then craft five variations that preserve the main arc while switching environment, energy level, and camera language.
• Variation levers: adjust setting (park versus interior), lighting (dawn, noon, dusk), energy level (high-energy versus restrained), and visual language (ground-level, cinematic tracking, or overhead). For each variant, specify a twist and a cliff moment to anchor pacing and viewer engagement.
• Narrative and portrayal: ensure consistent portrayal of characters, tone, and wardrobe. Use the term portraying to guide how subjects interact with space, and apply combining of stories from multiple takes to enrich the episode without losing continuity.
• Techniques and imagery: outline camera moves, framing, and color keys. Include references to images and examples to standardize look, then mark where blending with overlays or VFX occurs to keep expectations clear.
• Prerequisiti e controlli di qualità: elencare le risorse richieste (script, liste di riprese, mood board, immagini di riferimento) e impostare una checklist per la correzione del colore, gli indizi audio e la temporizzazione dei sottotitoli. Annotare in modo proattivo qualsiasi motivo neoclassico o motivo a strapiombo che si desidera trasmettere attraverso le variazioni per rafforzare lo stile.
• Controlli di coerenza: creare una griglia di valutazione che tenga traccia della lunghezza delle scene, dell'illuminazione, della continuità degli oggetti e del posizionamento delle proprietà tra le diverse varianti. Includere una verifica della continuità a livello del suolo e della coerenza dal punto di vista inferiore per evitare salti improvvisi tra le riprese.
• Metodo di valutazione: eseguire rendering paralleli e confrontare i fotogrammi uno accanto all'altro, verificando che le torsioni atterrino al beat previsto e che la qualità complessiva rimanga elevata. Segnalare eventuali deviazioni come note attuabili per la revisione prima di pubblicare il vlog.

1. Esempio 1 – Variazione di Base:

   dynamic, high-energy, cinematographic vlog episode ambientato in un parco durante l'ora d'oro. Rappresentando un host che esplora una scogliera neoclassica nascosta sotto una statua, con inquadrature a livello del suolo e riprese di tracking fluidi. Le tecniche includono movimenti steady cam, primi piani e sovrapposizioni sottili. Prerequisiti: obiettivo chiaro, lista di riprese, chiavi colore e una guida al sound design. Combinando storie da una singola timeline, le immagini dovrebbero rimanere coerenti presentando un colpo di scena a metà strada.

2. Esempio 2 – Inversione al Parco Notturno:

   dynamic, high-quality park environment filmed at dusk with a grounded, cinematic approach. The episode centers on beneath lighting and reflections, portraying the host uncovering a secondary narrative that blends real-world cues with a stylized, neo-classical motif. Twist appears near a cliff-like feature in shadows. Prerequisites: lighting plan, exposure targets, and image references. Examples of imagery and a short storyboard are provided to keep consistency across shots.

3. Esempio 3 – Combinare Storie e Testare Elementi Falsi:

   combinare due storie parallele in un singolo episodio ambientato in un parco utilizzando una prospettiva a livello del suolo e un ritmo cinematografico. Ritrarre l'host come una guida attraverso una scena che rivela gradualmente una svolta supportata da immagini e sovrapposizioni. Tecniche includono dissolvenze incrociate, indizi a schermo condiviso e abbinamento dei colori a un'estetica neoclassica. Prerequisiti: prompt di test senza rischi, regioni di fusione contrassegnate e una sezione dedicata all'identificazione di sovrapposizioni false. I momenti di suspense fungono da punti di ancoraggio per mantenere il ritmo durante l'episodio.