Sora 2 Prompt Guide – Hoe betere prompts te schrijven voor AI-videogeneratie

Begin met een precieze scèneaanduiding en een duidelijk doel voor de AI. Definieer het kernconflict in één zin, voeg vervolgens beperkingen toe die visuals en tempo voor een videorezultaat begeleiden in plaats van een tekstbeschrijving. Maak het actiegericht: specificeer een setting, personages en een meetbaar resultaat dat het systeem in de uiteindelijke render moet produceren.

Specificeer de instelling als een keuken om textuur en belichting te verankeren. Voeg tactiele aanwijzingen toe zoals stoom, rinkelend servies en neonreflecties om de uitstraling te sturen. Beschrijf de camera taal met steady dolly of strakke close-ups, en zet de stemming als emotioneel opgeladen en gespannen, geschikt voor een thriller. Noem de protagonist en antagonist, en geef het ze. persoonlijk inzetten die het publiek kan voelen.

Overzicht actions en deelnemers duidelijk: wie doet wat, wanneer en waarom. Gebruik onbeperkt een taal om scherpe gebaren, beslissende lijnen en scherpe visuele ritmes vast te leggen. Koppel visuals aan fantasy of genuanceerde realisme door aan te geven of u surrealistische effecten of een aardse textuur wilt, en noteer hoe de scène eruit zou moeten zien. follow een enkele thread in plaats van te springen tussen ideeën. Benadruk getting het publiek in het moment brengen met zintuiglijke cues, van hitte en geuren tot de ritmiek van de movie vibe en sparse dialoog die gewicht draagt.

Structureer de prompt rond een kort verloop: het protagonist acts, the antagonist counters, en de spanning escaleert naar een keuze. Houd de beperkingen strak: framematen, belichtingsverhoudingen en een limiet op de vertelling, zodat visuals het verhaal dragen. De camera moet draaien na belangrijke acties om reacties vast te leggen en de plot naar de nasleep te duwen.

Om te illustreren, monteer een compact prompt skelet en breid het vervolgens uit: “Een gespannen keukeninterieur bij zonsopgang, de protagonist staat tegenover antagonist, emotioneel geladen, sparse dialoog persoonlijk stakes, actions beschreven in onbeperkt terms, a thriller pace.” Vervolgens concrete camerabeleidingen toevoegen: “start de camera hier, snijd naar een reactie, start opnieuw voor de nasleep,” en itereren met inspired aanpassingen om aan te sluiten bij uw project en doelgroep.

Sora 2 Prompt Guide: Talking Heads in AI Video Generatie

Stel een strak doel voor de commentator: leg de kernidee uit in minder dan 60 seconden, met behulp van eenvoudige taal en meetbare signalen. Definieer het doelgroep en kies één heldere boodschap. Voeg dit toe aan je Sora 2 prompt, zodat het model vanaf het begin een gefocuste, begrijpelijke performance genereert.

storytelling cues en concrete visuals. Voor ochtend briefing vibes, selecteer een lichte, constante pacing en een warme gezichtsuitdrukking. Gebruik tips die helpen een kijker snel informatie te verwerken.

Gebruik gecontroleerde sneden en gebaren. Houd de lippen synchronisatie nauwkeurig door de lippen alleen te benadrukken wanneer zinnen landen; enigszins head nods en het optrekken van de wenkbrauwen kunnen nadruk signaleren zonder chaos. Als de scène impact nodig heeft, introduceer dan een eenseconde-snit naar een grafische weergave voordat je terugkeert naar het pratende hoofd.

Om een talking head te creëren dat echt aanvoelt, combineer secrets van timing met machinegestuurde signalen: micro-expressies, ademritme en oogrichting. Voordeel halen uit incorporating achtergrondbeweging en generating constante verlichting houdt het hoofd op zijn plaats. Het ontwerp moet zijn designed om complexe onderwerpen te vertalen naar begrijpelijke taal, abstracte realiteiten te herformuleren in heldere voorbeelden, en verweven storytelling in elk moment.

Bespreek productierealiteiten: gebruik lichte scènes en minimale assets om te verminderen chaos en behoud de presentatie scherp. A geweldig een pratend hoofd verschijnt wanneer je ruis beperkt, een gestage snelheid aanhoudt en plant voor cuts die de verhaallijn ondersteunen. Gebruik één camera hoek voor eenvoudige prompts; schakel over naar twee hoeken alleen ter nadruk om te voorkomen zwak visuals.

In uw prompts, foreground woorden dat het model prioriteit zou moeten geven: storytelling, helderheid en concrete voorbeelden. Specificeer voor elk 'talking head' scenario het publiek, het domein en de ochtend vibe; dan aanpassen combining visuele elementen en stemgeluiden richting een heldere conclusie.

Definieer karakter, stem en spreektempo

Definieer een enkel, concreet stemprofiel voor het personage en pas dit toe over de hele aflevering. Maak een regel 'stem' die toon, tempo en wereldbeeld vastlegt, en anker prompts aan dit profiel zodat de AI consistente aanwijzingen ophaalt in deze kamers en gangen gedurende de aflevering.

Bouw een stempalet: kies 5–7 kenmerken, bepaal de zinslengte en definieer het ritme voor actie versus reflectie. Deze keuzes gebruiken vocabulaire passend bij de periode en een mix van beknopte clausules met lyrische zinswendingen om bij de wereld te passen. Houd de cadans visueel opvallend, zodat trailers en dialoog op het scherm coherent aanvoelen. Plan voor evolutie over episode-boog terwijl een balans behouden blijft tussen helderheid en kleur; inspiratie uit deakins zou de belichting en toon achter de woorden moeten informeren.

Stel cadencerichtlijnen vast: op momenten van actie, versnel met korte clausules; bij magische of introspectieve momenten, verleng zinnen en voeg zintuiglijke details toe. Gebruik signalen zoals schemering, deuren die openen of een rustig ontmoeting wanneer het tempo verschuift moet worden. Wanneer de kamer stil wordt, verschuif de cadans. Wanneer een personage kamers binnengaat of voor een moreel dilemma staat, laat de cadans de focus en energie weerspiegelen. Overdreven momenten kunnen optreden signaleren tijdens klimactische momenten om de impact te bereiken zonder de controle te verliezen.

Leveringsaanwijzingen: markeer ademhaling, nadruk en toon met leestekens en regeluitgangen; behoud een consistente projectie over volledige afleveringen; stem je stem af op de visie achter de opname; zorg ervoor dat het voelt als echt achter de actie en in elk frame.

Voorbeeld prompt stuk: “Karakter: Mira, alleen, een pragmatische onderzoeker; Stem: kalm, droge humor; Cadans: gemeten, met overdreven nadruk op aanwijzingen; Setting: schemerig landhuis; Visuele aanwijzing: deakins-geïnspireerde belichting, diepe schaduwen; Sfeer: magisch, spannend; Doel: een verborgen waarheid ophalen.”

Visuele framing bepalen: camerahoeken, grootte van de opname en compositie

Start with a tight close-up op de protagonist om emotie te verankeren, en vervolgens de context te onthullen met gelaagd de diepte die het oog leidt visueel over het toneel. Bouw structure door over te stappen van een intiem kader naar een breder perspectief, waardoor licht verschuift van sunrise naar de volgende beat. Geef in prompts camera-hoeken en shotgroottes nauwkeurig aan om een duidelijke progressie voor de AI te creëren generating frames.

Kaart hoeken toe aan intentie: gebruik ooghoogte voor verbinding, een laag hoek om te empoweren, en een high hoek om terughoudendheid te signaleren. Combineer met schotgroottes die overeenkomen met de beat: tight voor emotie, medium voor interactie, lang voor context. Voeg een flyover shot voor geografie, en reserve forbidden angles for moments of secrecy you want to avoid. Lead the eye with a moving sequence that stays visueel clean and seamlessly, and adjust lens choice to keep depth crisp across layers. Mention surveillance motifs only when the story calls for it, to avoid cliché.

Composition centers on depth and layered structure: place the protagonist on the left third, with leading lines from architecture or streets pointing toward the subject. Use foreground elements to create depth; a gelaagd frame with foreground, mid-ground, and background adds texture. Let licht sculpt shapes: sunrise or hour-specific lighting creates warm direction; use shadows to separate subjects and hint at time passing. Use a flyover for epic landscape context, and ensure the frame remains readable when the subject moves within the frame. Maintain consistency by adjusting light at each hour.

Avoid clutter: keep negative space meaningful and horizons aligned. Don’t mix too many actions in one frame to prevent depth confusion. Maintain distinct depth cues so foreground, mid-ground, and background read cleanly. Ensure transitions are seamlessly by matching color temperature and light direction across shots. For sequences spanning an hour, describe gradual lighting changes to preserve continuity.

In prompts, lock visual language: “angle: eye-level” or “low angle”; “size: tight close-up” or “long shot”; “composition: protagonist on the left third, met gelaagd foreground and depth.” Add setting cues like sociaal en modern to place the action in a contemporary world. Include a flyover drone shot for geography, and request sunrise lighting to establish mood. Command seamlessly flowing transitions and a high-energy pace for action beats. If the scene talks with another character, cue reaction shots to alternate perspectives. Keep prompts concise and concrete to minimize misinterpretation, and anchor the sequence with a single epic visual through-line that stays true to the design and structure.

Control lip sync and dialogue timing

Start by anchoring lip sync to the prompt’s dialogue timing: build a detailed phoneme map and lock visemes to the frame grid. This built framework provides information to synchronize dialogue with protagonists’ actions and lighting, bringing the view into sharper focus. Include onset and offset times for each line, and integrate micro-pauses to avoid abrupt or empty moments that break immersion. Use tips against drift, emphasizing precise timing for each sentence to keep the cadence consistent.

Tips for implementing timing inside prompts: assign each line a target frame count, align the phoneme sequence to the dialogue, and assign a view-specific cue for the character’s mouth, eyes, and gestures. For modern scenes with neo-classical lighting, pair dialogue timing with action beats to produce natural lip movements even during subtle movements like a dance or micro-gestures. Enhancements include a secondary layer that tracks breath, cadence, and punctuation, which helps avoid abrupt shifts.

Integrate dialogue timing with scene actions: coordinate mouth shapes with character gestures, so when a protagonist raises a hand, the syllables peak at the moment of gesture, not earlier. Build the prompt to include a highlight on stressed syllables and emphasizing emotional tone. Use detailed notes about tone and pace to guide the model.

Workflow and testing: view results in a quick pass, then iterate. Use a separate lighting cue to verify lip position; run multiple takes, compare audio and video frames, adjust prompts, and re-run. Provide clear prompts with structured data for each scene, and keep prompts modular to reuse in future scenes. Emphasizing consistency across scenes, especially for ensemble pieces where several protagonists speak, ensures cohesion.

Specify lighting, color palette, and background context

Use a three-point lighting setup with a 5600K key light, a 3200K fill, and a subtle backlight to separate subjects from the background. Lock white balance to 5600K and work in Rec.709 for skin tones. Place the key at 45°, the fill at 30–40% opposite, and the backlight just bright enough to reveal hair and shoulders without hot halos. For multi-camera setups, keep the same key and fill positions across rigs to avoid shifts between angles. Ensure enough diffusion and light stands are ready so you can roll between shots without re-rigging, preserving clean moves across angles.

Define a 3–5 color palette that supports the concept. Example: navy #0A1F44, slate #5A7D9A, sand #D8CAB3, moss #5F8B5A, accent coral #FF6F61. Apply the primary color to key lighting, secondary to backgrounds, neutrals to wardrobe, and the accent sparingly. A swell of warmth can come from amber gels on practicals or warm fill to convey optimism. When combining practical lights with LEDs, run white balance tests to keep generated skin tones honest. Document the palette and use it across lighting, wardrobe, and set dressing to maintain visual coherence.

Background context drives the scene. Describe the setting, time of day, weather, and ambient textures that support the concept. For social content and trailer-style cuts, craft a background that stays legible behind moving subjects. Obtain permissions for locations and gear so you can shoot without delays. In prompts, mention birds in the distance, street silhouettes, or a calm park to give depth. If interviews are involved, place the camera behind the subject to capture honest reactions and prepare a trailer-style sequence that can be followed by trailers and a social cut. Prerequisites like space for light stands, power outlets, and safe cable management should be secured before you roll.

To structure prompts effectively, blend lighting, color, and background context so the concept shines. Describe camera moves and rolling shots (roll) that interact with light. Explore atmospheres where birds drift in the background and a swell of color supports the mood. Use a multi-camera setup and plan a trailer- or behind-the-scenes feel that supports interviews and honest dialogue. Often asked questions around permissions and prerequisites should be answered directly in the prompt, ensuring enough space and safety. The generated footage should feel cohesive, loved by audiences, and aligned with the trailer’s tone while still feeling authentic and human in its social storytelling. This approach supports filmmaking quality throughout the process.

Create prompt variations and evaluation checks for consistency

Begin with a baseline prompt that locks tone, subject, and output style, then generate five variations that keep core intent while shifting dynamic factors like setting, energy, and camera approach. A park setting grounds the visuals, while cinematographic framing and high-quality imagery sustain consistency across the episode and its twists.

Use the checks below to ensure cohesion across prompts, episode pacing, and final renders. Portray a steady approach, and flag any fake cues or blending that breaks continuity.

• Baseline and variation strategy: define the core objective, audience, output length, and required prerequites (as a starting point). Attach a script-like description for the host voice and the visual approach, then craft five variations that preserve the main arc while switching environment, energy level, and camera language.
• Variation levers: adjust setting (park versus interior), lighting (dawn, noon, dusk), energy level (high-energy versus restrained), and visual language (ground-level, cinematic tracking, or overhead). For each variant, specify a twist and a cliff moment to anchor pacing and viewer engagement.
• Vertelling en weergave: zorg voor een consistente weergave van personages, toon en garderobe. Gebruik de term 'weergave' om te begeleiden hoe onderwerpen met de ruimte interageren, en pas het combineren van verhalen uit meerdere takes toe om de aflevering te verrijken zonder de continuïteit te verliezen.
• Technieken en beeldgebruik: beschrijf camerabewegingen, compositie en kleursleutels. Neem verwijzingen op naar afbeeldingen en voorbeelden om een uniforme look te creëren, en markeer waar er samengevoegd wordt met overlays of VFX, om verwachtingen helder te houden.
• Vereisten en kwaliteitscontroles: lijst de vereiste assets op (scripts, shot lists, mood boards, referentieafbeeldingen) en stel een checklist op voor kleurcorrectie, audio cues en ondertitel timing. Proactief noteren eventuele neo-klassieke motieven of klif-zijdige motieven die u over variaties heen wilt dragen om de stijl te versterken.
• Consistentiecontroles: ontwikkel een rubric die de lengte van scènes, belichting, objectcontinuïteit en voorwerpplaatsing over variaties volgt. Neem een controle op voor grondniveau-continuïteit en onderhoudconsistentie om schokkende sprongen tussen shots te voorkomen.
• Evaluatiemethode: voer parallel renders uit en vergelijk frames naast elkaar, waarbij u verifieert dat draaiingen op het beoogde moment landen en dat de algehele afwerking van hoge kwaliteit blijft. Markeer eventuele afwijkingen als actiepunten voor revisie voordat de vlog wordt gepubliceerd.

1. Voorbeeld 1 – Basisvariatie:

   dynamische, energieke, cinematografische vlog-aflevering in een park tijdens de gouden uren. Een presentator portretteren die een verborgen neo-klassieke klif onder een standbeeld verkent, met framing op straatniveau en vloeiende tracking shots. Technieken omvatten steady cam moves, close-ups en subtiele overlays. Vereisten: duidelijk doel, shot list, kleurcodes en een geluidsontwerpgids. Met behulp van verhalen uit een enkele tijdlijn moeten de visuals samenhangend blijven terwijl er een plotwending halverwege wordt gepresenteerd.

2. Voorbeeld 2 – Nacht Park Twist:

   dynamische, hoogwaardige parkomgeving gefilmd bij schemering met een aardse, cinematische aanpak. De aflevering draait om onderverlichting en reflecties, waarbij de presentator een secundair verhaal onthult dat real-world cues combineert met een gestileerd, neo-klassiek motief. Een plotwending duikt op nabij een klifachtige verschijning in de schaduwen. Vereisten: verlichtingsplan, belichtingstellingen en beeldreferenties. Voorbeelden van beeldmateriaal en een kort storyboard worden verstrekt om consistentie over de opnames te waarborgen.

3. Voorbeeld 3 – Verhalen en het testen van valse elementen vermengen:

   het combineren van twee parallelle verhalen in een enkele parkaflevering met een grondniveau perspectief en een cinematografische cadans. Het portretteren van de host als een gids door een scene die geleidelijk een plotwending onthult, ondersteund door afbeeldingen en overlays. Technieken omvatten kruisvervagingen, split-screen aanwijzingen en kleuraanpassing aan een neo-klassieke esthetiek. Vereisten: risicovrije testprompts, gemarkeerde mengregio's en een speciale sectie om valse overlays te identificeren. Klippen dienen als ankerpunten om het ritme gedurende de aflevering te behouden.