Sora 2 Prompt Guide – How to Write Better Prompts for AI Video Generation

Börja med en exakt scenindikation och ett tydligt mål för AI:n. Definiera kärnkonflikten i en enda mening, lägg sedan till begränsningar som styr visuella element och tempo för ett videoreultat snarare än en textbeskrivning. Håll det handlingsinriktat: specificera en miljö, karaktärer och ett mätbart resultat som systemet ska producera i den slutgiltiga återgivningen.

Specificera inställningen som en kök to anchor texture and lighting. Add tactile hints like steam, clinking dishes, and neon reflections to steer the look. Describe camera language with steady dolly eller tight close-ups, och sätt stämningen som emotionellt laddad och spänd, lämplig för en thriller. Namnge protagonist och antagonist, och ge dem personal insatser som publiken kan känna.

Outline actions och deltagare tydligt: vem gör vad, när och varför. Använd ofiltrerad språk för att fånga skarpa gester, bestämda linjer och skarpa visuella rytmer. Knyt det visuella till fantasy eller grundad realism genom att ange om du vill ha surrealistiska effekter eller textur med förankring, och notera hur scenen ska follow en enda tråd istättet än att hoppa mellan idéer. Betona getting för publiken in i stunden med sinnliga ledtrådar, från värme och dofter till rytmen av movie vibe och sparse dialog som har vikt.

Strukturera prompten kring en kort sekvens: den protagonist akter, den antagonist counters, och spänningen eskalerar mot ett val. Behåll begränsningar tajta: bildstorlekar, ljusförhållanden och en gräns på berättelsen så visuella element bär historien. Kameran ska rulla efter viktiga handlingar för att fånga reaktioner och skjuta handlingen mot efterspelet.

För att illustrera, sätt samman en kompakt prompt skelett och utvidga sedan: "En spänd kökets inre i gryningen, den protagonist faces the antagonist, fylld av känslor, sparse dialog, personal stakes, actions beskrivet i ofiltrerad villkor, a thriller pace.” Sedan lägg till konkreta kameranmärkningar: ”rulla kameran här, klipp till en reaktion, rulla igen för efterdyningarna,” och iterera med inspired justeringar för att passa ditt projekt och målgrupp.

Sora 2 Prompt Guide: Talking Heads in AI Video Generation

Sätt ett tydligt mål för intervjuaren: förklara kärnidén på under 60 sekunder med enkelt språk och mätbara ledtrådar. Definiera målgruppen och välj en tydlig lärdom. Bifoga detta till din Sora 2-prompt så att modellen genererar en fokuserad, avkodningsbar prestation från början.

storytelling cues och konkreta visuella element. För morgonbriefing-atmosfär, välj ett lätt, stadigt tempo och en varm ansiktsuttryck. tips som hjälper en tittare att snabbt ta in information.

Använd kontrollerade snitt och gester. Håll mun-synkroniseringen exakt genom att betona läpparna endast när fraser landar; slight nickningar och lyftade ögonbryn kan signalera betoning utan chaos. Om scenen behöver effekt, introducera en en-sekunders klippning till en grafik innan du återvänder till pratande huvudet.

För att skapa en pratande huvud som känns riktig, kombinera secrets av tajming med maskindrivna signaler: mikro-uttryck, andningsrytm och blicklinje. Att utnyttja av incorporering bakgrundsrörelse och generering Jämn belysning håller huvudet stadigt. Designen bör vara designed att översätta komplexa ämnen till ät tillgängligt språk, omtolka abstrakta verkligheter till enkla exempel, och väva storytelling in i varje ögonblick.

Diskutera produktionsrealiteter: använd lätta scener och minimala tillgångar för att minska chaos och behåll taktningen skarp. A great talking head framträder när du begränsar oljud, behåller ett jämnt tempo och planerar för cuts som stöder berättelsen. Använd en enda kameravinkel för enkla uppmaningar; byt till två vinklar endast för betoning för att undvika svag visuals

I dina prompts, sätt fokus på words att modellen bör prioritera: storytelling, tydlighet och konkreta exempel. För varje situation med en talande huvudperson, specificera publiken, domänen och det morgon vibe; sedan justera combining visuella och auditiva ledtrådar mot en tydlig slutsats.

Definiera karaktär, röst och talrytm

Definiera en enda, konkret röstsignatur för karaktären och applicera den under hela avsnittet. Skapa en envartig stam som fångar ton, tempo och världsbild, och förankra sedan prompter till denna signatur så att AI:n hämtar konsekventa ledtrådar i dessa rum och korridorer under hela avsnittet.

Skapa en röstpalett: välj 5–7 egenskaper, bestäm meningslängd och definiera rytm för handling kontra reflektion. Dessa val använder tidsenligt ordval och en blandning av koncisa satser med lyriska formuleringar för att passa världen. Håll kadensen visuellt slående, så att trailers och dialog på skärmen känns sammanhängande. Planera för utveckling över episodbågar samtidigt som du upprätthåller en balans mellan klarhet och färg; inspiration från deakins bör informera belysning och ton bakom orden.

Sätt rytmregler: vid actionögonblick, accelerera med korta satser; vid magiska eller introspektiva ögonblick, förläng meningarna och infoga sinnliga detaljer. Använd ledtrådar som skymning, dörrar som öppnas eller en tyst möte när tempot behöver ändras. När rummet blir tyst, ändra rytmen. När en karaktär går in i rum eller står inför ett moraliskt beslut, låt rytmen återspegla fokus och energi. Överdrivna betoningar kan signalera prestation under klimatiska ögonblick för att landa effekten utan att förlora kontrollen.

Leveransledtrådar: markera andning, betoning och ton med skiljetecken och radbrytningar; upprätthåll en jämn projektion genom hela avsnitten; anpassa rösten till visionen bakom scenen; se till att det känns äkta bakom handlingen och i varje bild.

Exempel prompt bit: ”Karaktär: Mira, ensam, en pragmatisk utredare; Röst: lugn, torr humor; Kadens: måttlig, med överdriven betoning på ledtrådar; Miljö: skymningsupplyst herrgård; Visuell ledtråd: deakins-inspirerad belysning, djupa skuggor; Stämning: magisk, spännande; Mål: hämta en dold sanning.”

Ställ in visuell inramning: kameravinklar, bildstorlek och komposition

Start with a tight närbild på den protagonist för att ankra emotion, sedan avslöja kontext med lagerad djup som leder blicken visually \nacross the scene. Build structure genom att övergå från en intim bild till en bredare vy, låta ljuset skifta från sunrise to the next beat. In prompts, specify camera angles and shot sizes precisely to create a clear progression for the AI generering frames

Mappa vinklar till intention: använd ögonhöjd för kontakt, en låg vinkel att stärka, och en high vinkel för att signalera återhållsamhet. Kombinera med skjutstorlekar som matchar takten: tight for emotion, medium for interaction, long for context. Include a flyover shot for geography, and reserve förbjuden vinklar för ögonblick av hemlighetsmakeri du vill undvika. Led ögat med en rörlig sekvens som håller sig visually clean and seamlessly, and adjust lens choice to keep djup crisp across layers. Mention surveillance motifs only when the story calls for it, to avoid cliché.

Composition centers on djup and layered structure: place the protagonist on the left third, with leading lines from architecture or streets pointing toward the subject. Use foreground elements to create depth; a lagerad frame with foreground, mid-ground, and background adds texture. Let light sculpt shapes: sunrise or hour-specific lighting creates warm direction; use shadows to separate subjects and hint at time passing. Use a flyover for epic landscape context, and ensure the frame remains readable when the subject moves within the frame. Maintain consistency by adjusting light at each hour.

Avoid clutter: keep negative space meaningful and horizons aligned. Don’t mix too many actions in one frame to prevent depth confusion. Maintain distinct depth cues so foreground, mid-ground, and background read cleanly. Ensure transitions are seamlessly by matching color temperature and light direction across shots. For sequences spanning an hour, describe gradual lighting changes to preserve continuity.

In prompts, lock visual language: “angle: eye-level” or “low angle”; “size: tight close-up” or “long shot”; “composition: protagonist on the left third, med lagerad foreground and djup.” Add setting cues like social och modern to place the action in a contemporary world. Include a flyover drone shot for geography, and request sunrise lighting to establish mood. Command seamlessly flowing transitions and a high-energy pace for action beats. If the scene talks with another character, cue reaction shots to alternate perspectives. Keep prompts concise and concrete to minimize misinterpretation, and anchor the sequence with a single epic visual through-line that stays true to the design and structure.

Control lip sync and dialogue timing

Start by anchoring lip sync to the prompt’s dialogue timing: build a detailed phoneme map and lock visemes to the frame grid. This built framework provides information to synchronize dialogue with protagonists’ actions and lighting, bringing the view into sharper focus. Include onset and offset times for each line, and integrate micro-pauses to avoid abrupt or empty moments that break immersion. Use tips against drift, emphasizing precise timing for each sentence to keep the cadence consistent.

Tips for implementing timing inside prompts: assign each line a target frame count, align the phoneme sequence to the dialogue, and assign a view-specific cue for the character’s mouth, eyes, and gestures. For modern scenes with neo-classical lighting, pair dialogue timing with action beats to produce natural lip movements even during subtle movements like a dance or micro-gestures. Enhancements include a secondary layer that tracks breath, cadence, and punctuation, which helps avoid abrupt shifts.

Integrate dialogue timing with scene actions: coordinate mouth shapes with character gestures, so when a protagonist raises a hand, the syllables peak at the moment of gesture, not earlier. Build the prompt to include a highlight on stressed syllables and emphasizing emotional tone. Use detailed notes about tone and pace to guide the model.

Workflow and testing: view results in a quick pass, then iterate. Use a separate lighting cue to verify lip position; run multiple takes, compare audio and video frames, adjust prompts, and re-run. Provide clear prompts with structured data for each scene, and keep prompts modular to reuse in future scenes. Emphasizing consistency across scenes, especially for ensemble pieces where several protagonists speak, ensures cohesion.

Specify lighting, color palette, and background context

Use a three-point lighting setup with a 5600K key light, a 3200K fill, and a subtle backlight to separate subjects from the background. Lock white balance to 5600K and work in Rec.709 for skin tones. Place the key at 45°, the fill at 30–40% opposite, and the backlight just bright enough to reveal hair and shoulders without hot halos. For multi-camera setups, keep the same key and fill positions across rigs to avoid shifts between angles. Ensure enough diffusion and light stands are ready so you can roll between shots without re-rigging, preserving clean moves across angles.

Define a 3–5 color palette that supports the concept. Example: navy #0A1F44, slate #5A7D9A, sand #D8CAB3, moss #5F8B5A, accent coral #FF6F61. Apply the primary color to key lighting, secondary to backgrounds, neutrals to wardrobe, and the accent sparingly. A swell of warmth can come from amber gels on practicals or warm fill to convey optimism. When combining practical lights with LEDs, run white balance tests to keep generated skin tones honest. Document the palette and use it across lighting, wardrobe, and set dressing to maintain visual coherence.

Background context drives the scene. Describe the setting, time of day, weather, and ambient textures that support the concept. For social content and trailer-style cuts, craft a background that stays legible behind moving subjects. Obtain permissions for locations and gear so you can shoot without delays. In prompts, mention birds in the distance, street silhouettes, or a calm park to give depth. If interviews are involved, place the camera behind the subject to capture honest reactions and prepare a trailer-style sequence that can be followed by trailers and a social cut. Prerequisites like space for light stands, power outlets, and safe cable management should be secured before you roll.

To structure prompts effectively, blend lighting, color, and background context so the concept shines. Describe camera moves and rolling shots (roll) that interact with light. Explore atmospheres where birds drift in the background and a swell of color supports the mood. Use a multi-camera setup and plan a trailer- or behind-the-scenes feel that supports interviews and honest dialogue. Often asked questions around permissions and prerequisites should be answered directly in the prompt, ensuring enough space and safety. The generated footage should feel cohesive, loved by audiences, and aligned with the trailer’s tone while still feeling authentic and human in its social storytelling. This approach supports filmmaking quality throughout the process.

Create prompt variations and evaluation checks for consistency

Begin with a baseline prompt that locks tone, subject, and output style, then generate five variations that keep core intent while shifting dynamic factors like setting, energy, and camera approach. A park setting grounds the visuals, while cinematographic framing and high-quality imagery sustain consistency across the episode and its twists.

Use the checks below to ensure cohesion across prompts, episode pacing, and final renders. Portray a steady approach, and flag any fake cues or blending that breaks continuity.

• Baseline and variation strategy: define the core objective, audience, output length, and required prerequites (as a starting point). Attach a script-like description for the host voice and the visual approach, then craft five variations that preserve the main arc while switching environment, energy level, and camera language.
• Variation levers: adjust setting (park versus interior), lighting (dawn, noon, dusk), energy level (high-energy versus restrained), and visual language (ground-level, cinematic tracking, or overhead). For each variant, specify a twist and a cliff moment to anchor pacing and viewer engagement.
• Narrative and portrayal: ensure consistent portrayal of characters, tone, and wardrobe. Use the term portraying to guide how subjects interact with space, and apply combining of stories from multiple takes to enrich the episode without losing continuity.
• Techniques and imagery: outline camera moves, framing, and color keys. Include references to images and examples to standardize look, then mark where blending with overlays or VFX occurs to keep expectations clear.
• Prerequisites and quality controls: list required assets (scripts, shot lists, mood boards, reference images), and set a checklist for color grading, audio cues, and subtitle timing. Proactively note any neo-classical motifs or cliff-side motifs you want to carry across variations to reinforce style.
• Consistency checks: build a rubric that tracks scene length, lighting, object continuity, and prop placement across variations. Include a pass for ground-level continuity and beneath vantage consistency to avoid jarring jumps between shots.
• Utvärderingsmetod: Kör parallella renderingar och jämför bildrutor sida vid sida, och verifiera att vridningar landar i den avsedda takten och att den övergripande finishen bibehåller hög kvalitet. Markera eventuella avvikelser som åtgärdbara anteckningar för revision innan vloggen publiceras.

1. Exempel 1 – Baslinjevariation:

   dynamic, high-energy, cinematographic vlog episode set in a park during golden hour. Portraying a host exploring a hidden neo-classical cliff beneath a statue, with ground-level framing and smooth tracking shots. Techniques include steady cam moves, close-ups, and subtle overlays. Prerequisites: clear objective, shot list, color keys, and a sound design guide. Combining stories from a single timeline, the visuals should remain cohesive while presenting a twist at the midpoint.

2. Exempel 2 – Night Park Twist:

   dynamic, högkvalitativ parkmiljö filmad i skymningen med ett jordnära, cinematisk tillvägagångssätt. Avsnittet fokuserar på underbelysning och reflektioner, och skildrar hur programledaren upptäcker en sekundär berättelse som blandar verkliga ledtrådar med ett stiliserat, neo-klassisk motiv. En vändning uppstår nära ett klippliknande inslag i skuggorna. Förutsättningar: belysningsplan, exponeringstjänster och bildreferenser. Exempel på bilder och en kort story board tillhandahålls för att upprätthålla konsekvens över hela bilderna.

3. Exempel 3 – Blandning av Berättelser och Testning av Falska Element:

   kombinera två parallella berättelser i ett enda parkavsnitt med en marknivåperspektiv och en cinematisk rytm. Skildra värden som en guide genom en scen som gradvis avslöjar en vändning som stöds av bilder och överläggningar. Tekniker inkluderar korsövergångar, delade skärmar och färgmatchning till en neoklassisk estetik. Förutsättningar: riskfria testprompter, flaggade blandningsregioner och en dedikerad sektion för att identifiera falska överläggningar. Klippögonblick fungerar som ankarpunkter för att bibehålla rytmen genom hela avsnittet.